Relieve.Interpretación de un cuadro cubista

Se trata de realizar un relieve de una obra figurativa bidimensional realizada por alguno de los muchos maestros de la pintura (Picasso,  etc.).Por lo que deberéis haceros con una buena reproducción de la obra a representar, a un tamaño mínimo de 20X30x2 cm a escala de grises. Con ella se harán los estudios pertinentes y se copiara sobre una plancha de barro para después trasformar el dibujo bidimensional en tridimensional (realizar un relieve).
Una vez conseguido el objetivo se hará un molde perdido.

Creación objeto surrealista

Aquí tenéis algunas presentaciones que os pueden ayudar para la realización del último trabajo propuesto: objeto surrealista.

Composición modular

Para realizar el trabajo de la composición modular os dejo unas presentaciones que os pueden servir de ayuda

Proceso de vaciado. Molde perdido

Aquí tenéis una presentación donde podéis recordar todo el proceso de vaciado que se explicó en clase y que vosotros  tendréis que realizar con vuestro trabajo.

Composición con texturas

Propuesta de trabajo:

Realizar una plancha de arcilla de 20 x 30x 2 cm. aproximadamente y crear sobre su superficie una composición con diferentes texturas como método de experimentación y acercamiento con el material a trabajar, la arcilla. 

La composición atenderá a criterios de equilibrio, ritmo, composición, etc.

Para ello se deberá realizar antes un proceso de bocetaje hasta llegar al resultado final (20 bocetos mínimo) y una serie de pruebas texturales, creadas estas, sobre el barro y empleando para ello todo tipo de elementos cotidianos (anillos, botones, cremalleras, pasta italiana, chapas de botellines, clips, etc.) con los que poder dejar la huella y por medio de la repetición conseguir texturas.

Una vez materializada la idea final sobre la plancha de barro se procederá a su vaciado y acabado.

A continuación os dejo estas presentaciones como apoyo para realizar la composición

 

Talla de un volumen. técnica sustractiva

PROPUESTA DE TRABAJO: VOLÚMENES

Partiendo de un prisma de escayola de 18x9x9cm que deberá construirse mediante un encofrado, se creará una composición con tres masas que se interrelacionarán la una con la otra.

Requisitos que deberá cumplir el trabajo:

• Las masas pueden ser prismas de diferentes formas y tamaños.
• Una de las masas será la dominante.
• Otra estará subordinada a la anterior.
• La tercera estará subordinada a las otras dos
• Las masas no podrán descomponerse en otros prismas.
• Se jugará con la posición, las alturas, proporciones y composición de las masas.
• Evitar simetrías.
• Estarán representadas todas las caras del cubo.
• Deberá funcionar desde todos los puntos de vista.

 ENCOFRADO PARA ESCAYOLA 

La definición de encofrado es: armazón formado por un conjunto de planchas metálicas o de madera convenientemente dispuestas para recibir el hormigón que, al endurecerse, forma las paredes de los edificios construidos con este material. Sinónimo: cimbra.

No solo en construcción se utilizan encofrados, y no solo para hormigón. Te diré que en escultura se hacen habitualmente y por norma general, para escayola. Aquí el encofrado se podría definir como un conjunto de tabiques unidos para cercar un espacio en cuyo centro se encuentra la pieza a la que sacar el molde.

Bienvenida y Materiales

Los profesores de VOLUMEN  aprovechamos para daros la bienvenida a la asignatura a los alumnos de 1º  y 2º de Bachillerato de Artes que habéis elegido adentraros en este mundo tan fascinante de las tres dimensiones. A lo largo del curso, iremos subiendo al blog información relativa a la asignatura (apuntes, presentaciones, etc) así como toda aquella que pueda ser de interés para vosotros.

Respecto a los MATERIALES que necesitaréis, para comenzar indicamos los más básicos:

Jorge Oteiza

(Orio, 1908 - San Sebastián, 2003) Escultor español, figura clave de la vanguardia de la década de los cincuenta. Jorge Oteiza Embil nació en el seno de una familia acomodada que había prosperado en el negocio de la hostelería. Introvertido y acosado por temores irracionales, tuvo una infancia triste, alejada de los juegos y las riñas de los demás niños.

Jorge Oteiza

Entre 1914 y 1920 cursó el bachillerato en el Colegio del Sagrado Corazón de San Sebastián y en el de los Capuchinos de Lekaroz, Navarra. En esos años de formación su personalidad cambió radicalmente. Se volvió más extravertido y sociable: no sólo cultivó el boxeo y el teatro amateur, sino que también trabó amistad con incipientes artistas como el pintor Juan Cabanas o el músico Nicanor Zabaleta.

Estudios, penurias y primeras obras

En 1927 se trasladó a Madrid con el propósito de estudiar arquitectura, aunque, por razones burocráticas, finalmente tuvo que matricularse en medicina. Pese a que nunca terminaría la carrera (la abandonó en el tercer curso para apuntarse en la Escuela de Artes y Oficios), la asignatura de bioquímica despertó su interés por la escultura, por la experimentación de lo que él definió como «biología del espacio». Fue también en la capital de España donde se acentuó, desde posiciones sociales y de izquierdas, su conciencia identitaria vasca.

En 1928 su padre y su hermano, después de la quiebra del negocio familiar, emigraron a Argentina, teniendo él que responsabilizarse de su madre y sus cinco hermanos pequeños. Para poder costearse los estudios, trabajó de camarero, de contable en una frutería e incluso de linotipista. Aun así, pasó grandes dificultades económicas y durante una larga temporada estuvo alimentándose con la sopa para indigentes que repartían en un convento.

Sus primeras esculturas, figurativas y con un cierto aire arcaizante, nacieron bajo la influencia de artistas como Jacob Epstein, Alberto Sánchez y, sobre todo, Pablo Picasso. Ya en los años treinta, junto a sus amigos los pintores Narkis de Balenciaga y Nicolás de Lekuona, se introdujo en la vida artística de San Sebastián a través de diversas exposiciones y concursos. Así, en 1931 fue galardonado con el primer premio en el IX Concurso de Artistas Noveles Guipuzcoanos, con una escultura singularmente titulada: Adán y Eva, TgS=A/B (tangente S igual a A partido por B).

En 1935, junto con Balenciaga, viajó a Sudamérica, iniciando un periplo que lo llevaría a Argentina primero y a Chile, Colombia y Perú en los años sucesivos. En los casi quince años que estuvo en tierras americanas el joven Oteiza no dejó terreno por explorar: fue profesor en la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, participó en Santiago de Chile en la creación del teatro político experimental, se imbuyó de movimientos de vanguardia como el cubismo y el constructivismo, estudió con devoción la estatuaria megalítica de las culturas amerindias... Y además, conoció a quien fue el gran amor de su vida, Itziar Carreño, con la que se casó en 1938.

Hacia la obra esencial y mística

A principios de la década de los cuarenta empezó a introducir oquedades en sus esculturas. Aquellas incipientes exploraciones sobre el hueco y el volumen (en la línea del gran escultor británico Henry Moore) habrían de devenir el cauce creativo por el que discurrirían sus producciones posteriores. En 1948 regresó al País Vasco, instalándose en Bilbao. El panorama que se encontró era a todas luces desolador; nada quedaba de aquel ímpetu cultural que había florecido durante la República.

Ideológicamente, Oteiza luchó por cohesionar y revitalizar el decaído mundo artístico vasco, pero se topó con la desidia de las instituciones, tanto las del régimen franquista como las del nacionalismo vasco en la clandestinidad. En lo artístico, continuó sus especulaciones en torno a la desocupación del espacio escultórico, creando piezas cada vez más esenciales y místicas.

Caja metafísica, de Jorge Oteiza

En 1950 se le adjudicó la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu (Guipúzcoa), proyectada por el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. Su intervención fue polémica desde el principio: la heterodoxa iconografía del friso de los Apóstoles (representó catorce) así como su estética, demasiado vanguardista para el gusto de las instituciones eclesiásticas, provocaron que la Comisión Pontificia paralizara la ejecución de las piezas por considerarlas sacrílegas. A instancias del papa Pablo VI, el proyecto se reanudó en 1968. Las puertas del templo, realizadas por un joven Eduardo Chillida en hierro y en un estilo geométrico espacialista, causaron una honda impresión en Oteiza.

Aunque durante años ambos escultores serían enemigos acérrimos (más por parte de Oteiza que de Chillida), lo cierto es que la poética desplegada en aquellas puertas, aun sin que él lo reconociera nunca, determinó en gran manera la evolución de su obra. Tanto fue así que en los años cincuenta (su período artístico más fructífero) abandonó definitivamente la figuración y se adentró por un camino de depuración formal y de diálogo entre la materia y el vacío.

El éxito y el reconocimiento internacional no se hicieron esperar, y en 1957 ganó el primer premio de escultura de la Bienal de São Paulo, en Brasil, con la serie Propósito experimental. Su particular forcejeo con el volumen y el espacio llegaría a su cenit en series como Desocupación de la esfera (1957-1958) y Cajas vacías o Cajas Metafísicas (1958), en las que el objeto quedaba desmaterializado casi por completo en favor de un espacio que él entendía metafísico y espiritual.

Homenaje a Mallarmé (1958)

Otras inquietudes

A partir de la década siguiente, Oteiza abandonó la práctica escultórica convencional para desarrollar nuevas inquietudes creativas como la poesía, la arquitectura o la filosofía. «Noté que de mis esculturas salían palabras», señalaría el artista vasco. Con todo, no fue la suya una actitud de mutismo o retiro; al contrario, a partir de entonces desarrolló una actividad pública frenética: no sólo escribió ensayos tan decisivos como Quosque tandem...! Ensayo de interpretación estética del alma vasca (1963), sino que impulsó el movimiento de vanguardia con la creación de grupos como Gaur, Emen, Danok y Orain.

En 1988 la Fundación La Caixa y el Museo de Bellas Artes de Bilbao organizaron una gran exposición antológica sobre su obra. Como viniendo a desmentir que aquellos años de silencio hubiesen puesto fin a sus investigaciones plásticas, se exhibió en aquella muestra una multitud de maquetas y obras de pequeño formato que el artista había elaborado en papel, cartón, aluminio y tiza.

A lo largo de los años noventa, siguió en su papel de activista y agitador cultural, desatando sonadas polémicas, como la que protagonizó con el Museo Guggenheim Bilbao. «Nunca expondré en este museo», dijo en 1996 cuando se encontraba visitando las obras de dicho centro. Su relación con las instituciones vascas tampoco fue buena: «Harto del país y sus gobernantes», en 1992 decidió donar todos sus fondos artísticos y documentales al gobierno de Navarra, herencia ésta que quedó supeditada a la creación de una fundación que contribuyera al estudio y la divulgación de su obra y del arte contemporáneo en general.

Este deseo se hizo realidad en el mes de abril de 2003 al inaugurarse en Alzuza, un pequeño pueblo próximo a Pamplona, el Museo Oteiza, diseñado por su viejo amigo y colaborador Sáenz de Oiza. Con todo, ni uno ni otro pudieron ver el proyecto culminado: Sáenz de Oiza había muerto dos años antes, en 2001, y Jorge Oteiza falleció el 9 de abril de 2003, pocos días antes de que el centro abriera sus puertas, a los noventa y cuatro años de edad, a causa de una prolongada enfermedad respiratoria.

Escultor, poeta, filósofo y arquitecto vocacional, Jorge Oteiza fue uno de los artistas más importantes del siglo XX. En su obra supo conjugar la magia y la espiritualidad de los monumentos megalíticos, especialmente los del País Vasco, con las innovaciones formales de los movimientos de vanguardia. Igualmente, su labor pedagógica, así como sus aportaciones en el campo de la estética y la teoría del arte, contribuyeron a forjar varias generaciones de escultores, algunos de ellos tan señalados como Andreu Alfaro o Txomin Badiola. Aunque siempre rehuyó los agasajos y los honores, a lo largo de su vida recibió premios tan importantes como el Príncipe de Asturias de las Artes, en 1988, o la Medalla del Círculo de Bellas Artes, en 1998.

Performance

El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al Happening, al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual. Al principio de los años sesenta, artistas como George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, y Nam June Paik entre otros, empezaron a crear los primeros happenings y conciertos fluxus. El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee Schneemann, Marina Abramovic y Gilbert & George entre otros.

La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
En los inicios del siglo XX es donde se encuentra el origen de este tipo de manifestación artística y cultural pues fue entonces cuando determinados personajes ligados al movimiento futurista creando tendencias apostando por otras formas peculiares de mostrar sus ideas, sus emociones y su manera de entender el arte.
No obstante, no sería hasta la década de los años 60 cuando el performance empieza a tomar mayor relevancia a nivel internacional.
Entre los muchos temas que se pueden abordar a través de estas manifestaciones culturales los que mayor protagonismo han tenido a lo largo de la Historia han sido el amor, el miedo, la soledad, la crueldad del ser humano, la naturaleza, la evolución del universo…Todos ellos se han mostrado y planteado a través de acrobacias, pintura, teatro o coreografías, entre otras alternativas.
Una performance, por lo tanto, intenta sorprender al público ya sea por su temática o por su estética. Este tipo de acciones están vinculadas a la improvisación, el arte conceptual y los happenings (manifestaciones artísticas que contemplan la participación del público).
Por ejemplo: “Una asombrosa performance de la artista plástica maravilló a los visitantes del museo”, “El pintor prometió realizar una performance en vivo, donde creará obras con materiales orgánicos”, “La fallida performance del músico le valió numerosas críticas”.
Una de las características más importantes de una performance es que se desarrolla en un lugar determinado durante un tiempo concreto. La performance se lleva a cabo en vivo y existe mientras el artista realiza su propuesta, a diferencia de una exposición tradicional.
En ocasiones, lo más importante de la performance no es su contenido, sino el lugar donde tiene lugar. Hay artistas que desarrollan performances en la vía pública o que improvisan manifestaciones artísticas en lugares inéditos para el arte, como un supermercado o un local de videojuegos.
Muchas son las figuras que se consideran que han podido pasar a ser iconos del mundo del performance. No obstante, entre todas ellas destacaría de modo significativo el alemán Joseph Beuys quien mostró sus cualidades artísticas recurriendo al uso de elementos tales como los animales, el papel o la paja, entre otros.
Asimismo tampoco hay que pasar por alto a Hermann Nitsh, un artista austríaco que ha logrado fama mundial por la provocación de sus obras. Y es que en ellas no duda en incluir diversos rituales ancestrales que están calificados como salvajes.
 Hay quienes consideran que los flashmob son performances, aunque no tienen intención artística. Se trata de grupos que ponen en marcha una acción organizada en un lugar público, realizando algo inusual (como una guerra de almohadas o un reparto de abrazos gratis). En ocasiones, los flashmob tienen un fin político.

Artistas destacados:

Marina Abramovic Video

Stelarc Video

Ana Mendieta Video

Bruce Nauman Video

George Maciunas Video

Gilbert and George Video
Joseph Beuys  Video
Esther Ferrer  Video
Abel Azcona   Video

Personaje para animación

Antes de hablar de la animación debemos entender este concepto que tanto ha motivado a diversos artistas y que ahora podemos visualizar en distintos medios audiovisuales. Animación es darle vida a “algo” para que realice una acción determinada, este “algo” puede ser desde un dibujo hasta cualquier cosa que podamos imaginar, pero que podemos catalogar de acuerdo a su técnica en dos grandes grupos, que son la animación bidimensional y la animación tridimensional tanto análoga como digital.





Vamos a crear nuestro propio personaje animado 

Características:

1. Originalidad.
2. Simplificación en las formas.

Realización de una recipiente. Técnica del colombín

      

Técnica del colombín

El colombín o adujado una de las técnicas más antiguas en el modelado de la cerámica, se puede ver muestras en todas las culturas y tiempos. Consiste en elaborar con la palma y dedos de las manos, un cilindro alargado mediante la presión y el movimiento, haciendo rodar la pella inicial de arcilla. Estos cilindros se realizan según la necesidad, y el volumen de la pieza que queremos realizar, hay casos en que son de un grosor considerable, para piezas realmente grandes.
Se inicia con una galleta, esta puede ser un trozo de placa, o bien una espiral formadas por un churro grande. En arcilla de baja temperatura, la unión del colombín se realiza con barbotina, la colocación está en función del volumen de la pieza, si se coloca en el interior se va cerrando la pieza, y en el exterior es para abrirla. Se suele alisar tanto la cara interior como la exterior, aunque si se realiza muy bien la interior, y no se toca la exterior, se denomina churros vistos. Las uniones de los churros es conveniente no realizarla a la misma altura, para no tener un punto débil en línea.


ACTIVIDAD A REALIZAR

TEMA: Creación de una vasija
TÉCNICA DE CONSTRUCCIÓN: Técnica del colonbín (Técnica de churros o rollos).
PASOS:

1. Abocetado y estudio de cuerpos de vasijas abiertas, cerradas, bajas, altas, panzudas, delgadas, etc.
2. Elección del boceto a realizar.
3. La pieza deberá ser asimétrica
4. Tendrá que tener una altura mínima de 30cm. 
5. Deberá diferenciarse en las terminaciones.

PROPORCIÓN: Es un eficaz instrumento para que la obra adquiera unidad y orden. Existen métodos generales para obtener la corrección de la proporción.
LA PROPORCIÓN LINEAL. El valor estético de una pieza se incrementa cuando muchos de sus elementos muestran una visible interrelación. La proporción consiste en convertir como unidad una de sus medidas y expresar el resto de las dimensiones como simples múltiplos de esta.
A esas relaciones, que conceden un sentido de orden a toda la pieza, las distingue el ojo casi inconscientemente.

PROCESO DE REALIZACIÓN:

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                     

ÚTILES Y HERRAMIENTAS BÁSICAS PARA EL TRABAJO CERÁMICO

Elementos básicos de la escultura

Giacometti en el Guggenheim